Филиппо Томмасо Маринетти био је први уметник у модерном добу који је припрему и конзумирање хране замислио као уметност. Авангардни футуристички покрет, формиран од Маринеттија и других уметника у Милану 1909. године, пригрлио је индустријско доба и све механичке ствари - од аутомобила и летелица до производних метода и планирања града. Они су мислили да ће кухање и ручавање, које су тако централне у свакодневном животу свакога, такође треба да буду у средишту њихових далековидних, далеких идеала.
Повезана читања
Арцимболдо
КупиСличан садржај
- Лоби из млека из 1870-их претворио је у маргаринку ружичасту како би људи купили путер
Маринетти је 1932. објавио часопис Футурист Цоокбоок . То није био само скуп рецепата; то је био својеврсни манифест. Припремање и конзумирање хране избацио је као део новог погледа на свет, у коме је забава постала авангардна представа. Књига је прописала потребне елементе за савршен оброк. Такво благовање морало је да се одликује оригиналношћу, складом, кипарском формом, мирисом, музиком између курсева, комбинацијом јела и различитим ароматизираним малим канапеима. Кувар је требао да користи високотехнолошку опрему за припрему јела. О политици се није могло разговарати, а храна је морала бити припремљена тако да њено једење не захтијева сребрно посуђе.
Маринеттијево размишљање није могло да предвиди улогу коју ће храна постати уметност скоро век касније. Савремени уметници су користили храну за давање изјава: политичке (нарочито феминистичке), економске и социјалне. Отворили су ресторане као уметничке пројекте, извели представе у којима се храна припрема и служи у галеријама, и направили су сложене скулптуре од јестивих материјала попут чоколаде и сира. Застрашујуће као што се можда чинило Маринетти, неки уметници данас чак прихваћају храну као одбацивање свих и свега онога што је опсједнуто будућности.
Гледајући уназад, храна је увек играла улогу у уметности: сликари из пећина каменог доба су користили биљни сок и животињске масти као везивне састојке у својим бојама, а Египћани су на хијероглифским таблетама урезали пиктограме усјева и хлеба. Током ренесансе Гиусеппе Арцимболдо, сликар хабсбуршког двора у Бечу, а касније и за Краљевски суд у Прагу, сликао је ћудљиве портрете сличне слагалицама на којима су црте лица биле састављене од воћа, поврћа и цвећа.
Када размишљам о храни и уметности, интуитивно се сећам се великих, прелепих тихог живота холандског златног доба које сам први пут срео на часовима историје уметности северне ренесансе. На овим славним сликама свака површина, од блиставих пернатих капута патке на сјајним сребрним пладњевима до росне коже воћа и бобица, пажљиво је приказана како би створила илузију да благдан стоји испред гледаоца. У 1600-им годинама су такве слике сведочиле богатству и интелектуалном ангажману власника. Приказана храна имала је симболички значај који се често односио на библијске текстове, а начин на који су предмети распоређени - и који су конзумирани - пренио је поруку о пролазној природи времена или потреби за темпераментом.
Као млади уметник, проучавао сам Цезаннеову јабуку и наранџу. За постимпресионистичке сликаре попут Цезанне, посматрање из живота био је само почетак махом маштовитог процеса. Ценили су живу боју и живахне потезе креме над хиперреализмом прошлости.
Током ере поп арта храна је постала друштвена метафора. Ваине Тхиебауд осликао је редове пита и колача у јарким пастелним бојама које су нам на уму донијеле рекламе и дјечје играчке. Представљен као прикази у вечери, уместо домаћих карактеристика приватног живота, његови аранжмани одражавали су путујуће друштво у коме су раскошни десерти означавали америчко обиље.
Овај чланак је избор из нашег Смитхсониан путовања путовања Квартални атлас издања јела
Свака култура има своју кухињу, а свака кухиња има своју тајну историју. Ово специјално издање Путовања пружа детаљни преглед хране и кулинарске културе широм света, укључујући дубинске приче и омиљене рецепте.
КупиОтприлике у исто време, уметници су почели да користе праву храну као уметнички материјал. 1970. године сардонски швајцарско-немачки уметник Диетер Ротх, познат и као Диетер Рот, направио је комад под називом „Стапле Цхеесе (А Раце)“ - папучицу на „стееплецхасе“ - која је садржавала 37 кофера напуњених сиром и осталим пресованим сиревима на зидове са намером да капну или "трче" према поду. Неколико дана након отварања изложбе у Лос Анђелесу, изложба је одавала неподношљив смрад. Галерија је преплавила црв и мухе, а јавни здравствени инспектори су претили да ће је затворити. Уметник је изјавио да су инсекти у ствари његова публика.
Умјетнице феминисткиња с краја шездесетих и почетка седамдесетих година америчког су односа према храни доживљавале као ограничења која намећу женама. Феминисти су тврдили да је лични - укључујући и најсвечаније аспекте свакодневног живота - политички. 1972. Мириам Сцхапиро и Јуди Цхицаго изнајмили су празну кућу у Лос Анђелесу са 17 соба која је била предвиђена за рушење и претворили је у масивну уметничку инсталацију. Сцхапиро и друге уметнице уметнице креирале су имерзивну инсталацију у трпезарији, опонашајући процес који девојчице следе приликом украшавања кућица за лутке. Њихов пројекат, и перформанс и инсталација, осудио је двоструки стандард друштва - несразмјер у очекивањима и могућностима мушкараца и жена. Док су дечаци обучавани за успех у свету, од девојчица се очекивало да држе кућу за своје мужеве. Касније, феминистичке уметнице попут Елизабетх Мурраи сугерисале би да су жене довољно снажне да се носе са овоземаљским и домаћим у делима попут "Кухиња сликарства" (1985), у којима чини се да жлица глобуса везана за лик који председава кухињом сликовна равнина и супротстављање гледаоцу.
1974. године, Цхицаго је поново покренуо тему трпезарије када је започео "Вечера", концептуалну турнеју која је сада смештена у Центру за феминистичку уметност Елизабетх А. Сацклер, у Брооклин Мусеум. Са тимом талентованих занатлија, током неколико година, у Цхицагу су направили трокутни трпезаријски сточић дугачак 48 стопа са поставкама за 39 жена из културног живота, неке стварне и неке митске, од праисторије до модерног женског покрета. Свака поставка укључује ручно рађену салвету, керамички тањир, чашицу и тркач, а све с иконографијом прилагођеном специфичној жени. Како се временска линија приближава садашњости, плоче постају све тродимензионалније, симболишући растућу слободу жена и политичку моћ.
Током деведесетих многи уметници су се навикли на лично отуђење које ће произићи из увођења кућног рачунара и других активности заснованих на екрану. Да би исправили урођену аномију, неки су отворили дисциплину „релацијске естетике“ - мање познату као „социјална скулптура“ - према којој је људска интеракција, укључујући и једење заједно, замишљена као уметничка форма сама по себи. Један од најистакнутијих практичара био је Риркрит Тираванија, који је почео да кува и послужује храну гледаоцима у галеријама, остављајући посуде, тегле и прљаво посуђе у галерији током трајања својих изложби.
Данас почетници уметници још увек уче да сликају мртве типове воћа и поврћа. Многи се касније од сликања окрећу тражењу новијих, експерименталнијих медија, али уметници усредсређени на храну често и даље верују у снагу пигмента на платну. Њујоршки сликари Гина Беаверс, Валтер Робинсон и Јеннифер Цоатес добри су примери. Беаверс чешља интернет за фотографије хране које потом комбинује у колаже са више слика и слике на великим платнима. Робинсон је преокупиран вискијем, цхеесебургерима и другим предметима чежње. Цоатес се фокусира на безвриједну храну, правећи слике у којима с'морес, мац н 'сир и пица попримају апстрактне форме. Све у свему, постоји здрава напетост између традиције и иконоклазме у савременој уметности хране. Отприлике 85 година након објављивања, Маринеттијева куварска књига и даље се чини испред кривуље, мада можда и не предалеко.
