Смрт сликарства је прво предвиђена средином 19. века, када је изгледало да ће наступ фотографије извадити стварност из сликаревих руку. "Ако се дозволи фотографији да се заузме за уметност у некој од њених функција, " написао је француски песник и уметнички критичар Цхарлес Бауделаире 1859. ", ускоро ће је заменити или потпуно покварити." Уметници се од тада покушавају помирити са импликацијама фотографије.
Импресионисти попут Монета и Реноира, одбацујући статичке, механичке слике фотографија као и устајалу академску слику свог времена, настојали су да осмисле сопствене утиске о томе како око опажа светлост и атмосферу у природи. Неки њихови савременици, укључујући Дегас и Тоулоусе-Лаутрец, заузели су се другачије. За инспирацију су почели да користе фотографије - обрезујући слике као што је камера, на пример, и уводећи изобличења перспективе на основу објектива камере.
Тада су, пре сто година, Матиссе и Пицассо направили радикалне слике које ће дефинисати нову еру модерне уметности. Матиссе је деформирао лик својом испупченом Плавом Нуде 1907. године, сликајући са фотографије како би ослободио своју машту и разбио навике настале цртањем из живота. Пицассо је такође користио фотографије да би насликао свој Лес Демоиселлес д'Авигнон из 1907. године, при чему је свака фигура личила на вишеструко излагање, гледано из различитих углова истовремено - одлучујући корак у кубизам.
Како је 20. век напредовало, сликари попут Вассили Кандински и Јацксон Поллоцк напустили су концепт уметности као репрезентације у потпуности, производећи платна на којима уопште нису били препознатљиви предмети. У њиховим "апстрактним" делима боја је постала тема. Шездесетих година прошлог века концептуални уметници - инспирисани Марцелом Дуцхампом и другим дадаистима 1920-их - усвојили су став да уметност треба да циља ум, а не око, испостављајући слике у којима је идеја иза дела важнија од самог дела. . Уз неколико очигледних изузетака - поп арт, фото реализам и уметници попут Давида Хоцкнеиа, репрезентативна или фигуративна уметност увелико се сматрала прошлошћу до краја 20. века. Али последњих година, велики број савремених сликара почео се враћати коренима модерне уметности да би пронашли нове начине изражавања. Они мешају људску фигуру и друге препознатљиве форме са елементима апстракције и двосмисленог наратива на начине који раније нису виђени.
"Узбуђење око моје професије тренутно је огромно", каже Јоацхим Писсарро, кустос слике и цртежа у њујоршком Музеју модерне уметности. "Пре тридесет година све се причало о крају сликања. Данас то никога није брига." За младу генерацију, каже он, "поларизација између апстракције и репрезентације која је постојала у последњој половини 20. века је једноставно бесмислена. Оно што сада видимо је врло занимљиво. И потпуно ново."
Растерећене од Брооклина до Тринидада до Леипзига у Немачкој, уметници представљени на овим страницама обнављају "веровање у сликарство", каже Лаура Хоптман, старији кустос у Новом музеју савремене уметности Њујорка.
Петер Доиг
"Када су људи почели да се занимају за мој рад крајем 1980-их, слика је била потпуно ван дневног реда", каже Петер Доиг, 49-годишњи Шкот који живи у Тринидаду. "Оно што су галерије сматрале врхунским концептом било је све концептуално - сликање о сликарству, уметности која је нешто говорила о начину на који је направљена. Намерно сам радио против тога. За мене, кад сте сликар, непрестано сте приморани да гледате свет као потенцијални субјект за сликање. А то иде од гледања нечега на улици, до гледања нечега у филму, у часопису, у ствари све. "
Доиг'с студио, у обновљеној дестилерији рума у главном граду Тринидада, португалској луци, пун је великих платна на којима су приказани пејзажи налик џунгли, реке размазане бојом и нејасне фигуре. Када је напустио Лондон да би се 2003. преселио у Тринидад, многи његови пријатељи звали су га "радећи Гаугуина", након француског уметника Пола Гаугуина, који се преселио на Тахити 1891. године и постао једно с природом. Доигов стил понекад се пореди са Гаугуиновим, али његов приступ сликању је сасвим другачији. Његова метода зависи од својеврсне обраде информација која често започиње фотографијом, јер сликање са фотографија удаљава га од онога што је стварно или истина. "Зашто слика мора бити истинита?" он пита.
Доиг је направио неколико слика са старе разгледнице коју је купио у лондонској продавници смећа која приказује речни призор у Индији. "Када сликам директно из природе, " каже, "превише се ухватим у покушају да то исправим. Коришћење фотографије или разгледнице омогућава ми само да узмем оно што желим и остатак оставим напоље. Направио сам фотографију маленог гуруа на разгледници, и снимио још једну фотографију тога, и разнио сам је тако да је постала мутна мрља, и ја сам сликао из тога, а он је постао нека врста брадата мушкарца, нечег мистериозног и црног. не знам да ли је он религиозан личност или фанатик, али у њему постоји нешто духовно. "
Показује на платно од 9 до 12 стопа скретне фигуре која се пење на палму, загрљује пртљажник и завири из апстрактне празнине потеза четком, капљања и пукотина. "Те капље и пукотине су врсте лепих ствари у слици које су јединствене", каже он. "Ризикујете и пружају вам се, али мрзим да постану маниризам или трик." Управо је та фигура највише погодила директорицу СИТЕ Санта Фе Лаура Хеон када је слика приказана на музејском бијеналу 2006. "У одређеном смислу то је повратак хуманизму", каже она. "Постоји нешто врло великодушно у прављењу слике људског бића."
Главна ретроспектива Доиг-овог дјела биће отворена у Тате Модерн у Лондону у фебруару.
Дана Сцхутз
На сликама Дана Сцхутза лажни и стварни су тешко разазнати. "Знам да су моје слике направљене, али верујем у њих кад сликам", каже она у свом атељеу у старој индустријској згради која је претворила уметничку задругу у Бруклину. Сцхутз (30) воли стварати фигуре и стављати их у различите сценарије у низу слика, у којима изгледа као да попримају свој живот. Једна од таквих серија су фигуре које она назива „самоједавци“ - одузети облик људи који преживе да се хране делом свог тела и затим се реконструишу. Слике, са својим фантастичним сликама и оним што је назива "екстровертираним бојама" - штипаљкама и црвеним бојама, електричним љубичастим бојама и зеленилом из џунгле - су похваљене као нови експресионизам и лако их је протумачити у смислу друштвених болести - од анорексичне моделе клеветничког конзумеризма - или чак као одраз у уметничку психу. Али Сцхутз се не слаже.
"Ја нисам експресиониста", протестира она. "Ове слике нису о мени које изражавају како се уопште осећам." Самоједњаци, каже, "су сликовно решење; можете их раздвојити и поново саставити. Као да су тек постали материјални."
Али Сцхутз каже да су њене слике понекад инспирисане оним што види на Интернету или о коме размишља тада. "Желим да ове слике почну негде у јавној машти, где се људи осећају као да би могли да знају ту причу, попут пластичне хирургије или производње-потрошње, или о начинима на које сами стварамо алтернативне историје", каже она. "Све више се осјећам као најрадикалније што умјетност може учинити јесте пружити некоме искуство за које осјећа да је на неки начин непознато."
За Сцхутза не постоји чврста разлика између апстрактног и фигуративног сликарства. "Не мислим на њих као на нешто одвојено." На једној новој слици мушкарца и жене који возе, фигуре у аутомобилу изгледају готово пластично, као да се топе у врућем хавајском пејзажу. "Начин на који размишљам о њима, " каже, "јесте да би у будућности, ако бисте нас гледали, какве ће карактеристике остати, помало искривљене или уопштене?
"Можда поправљамо лик", наставља она. "Стварање слика о слици једноставно звучи сулудо. Све што говоре о боји. Мислим да уметници сада желе да смишљају и да имају ефекта. Врло је другачије од 20. века."
Изложба Сцхутзових дела отвара се у новембру у Галерији савремене ликовне уметности у Берлину, Немачка.
Нео Рауцх
У Лајпцигу, 47-годишњи немачки уметник Нео Рауцх утиче на генерацију сликара после хладног рата са нејасним сликама које мешају реализам са фантазијом, обичне и бизарне. Ослањајући се на графичке стилове стрипа источног блока и комерцијалне уметности, социјални реализам комунистичке Источне Немачке, своје слике из снова и елементе свог урбаног пејзажа, Рауцх слика врсте фигура које можете пронаћи у пропагандним плакатима, али их поставља сцене које су, како каже, "конфузно веродостојне" - као некада познате и чудне.
Рауцх описује своје слике као алегорија са личном иконографијом која остаје приватна. Недавно је једном интервјуу за њујоршки Метрополитан Мусеум оф Арт изјавио да његове одлуке сликара могу пркосити разуму - чак и његовом сопственом. Али оно што укључује у слику има своју стварност, каже он, јер „упркос жељи за интерпретацијом, слика треба да задржи привилегију смештања онога што не може бити вербализирано у очигледну структуру“. Рауцх описује свој процес стварања слике као борбу за уравнотежење онога што је препознатљиво са оним што је необјашњиво. "За мене је, рекао је, " сликање значи наставак сна другим средствима. "
Изложба Рауховог дела тренутно је разгледана у Музеју уметности Метрополитан у Њујорку (до 14. октобра).
Барнаби Фурнас
Барнаби Фурнас, попут колеге дипломиране уметничке школе Универзитета Цолумбиа Дана Сцхутз, поставио је свој атеље у преуређеном индустријском поткровљу у Брооклину. Његове слике, инспирисане сликањем француске историје с краја 19. века, комбинују фигуративне елементе са техникама које потичу из графита и апстрактног експресионизма.
"Као тинејџер одрастао у Филаделфији у граду, прво сам био писац графита", каже он. "Упао сам у све врсте проблема, ухапшен сам, али увек сам имао једну ногу на часовима уметности." На крају, пријатељев отац одвео га је у неке уметничке галерије у Нев Иорк Цитију. "То је заиста једини начин на који бих знао да је свет уметности икада постојао", каже он.
Фурнас (34) насликава своја платна по поду, као што је то урадио Јацксон Поллоцк. Али уместо да капље уљану боју а ла Поллоцк, он ствара локвице на бази воде на бази које гомила једну изнад друге како би створио облик. За серију о грађанском рату, напунио је шприц црвеном акрилном бојом коју је прелистао по својим платнима да би представљао крв. "Уља се никада не би осушила на време на који користим боју", каже он, "равно на земљи, у локвама. Много тога се враћа у графите. Једна од ствари која ми се допала код графита јесте то што је намерно злоупотребљавате материјал. Могли бисте да скинете поклопце за спреј са једног аеросола, рецимо средства за чишћење на радној површини, и ставите га на конзерву за спреј за боју и да добијете потпуно другачији ефекат од млазнице .... Никада се нисам мучио са чак и штапићи. Имам огромну колекцију капа за спреј, као што замишљам да неки сликари уља имају четке. У мом раду постоји врста вољне мешавине онога што постоји у продавници хардвера и онога што у продавници уметности. "
У уметничкој школи на Цолумбији, Фурнас се побунио против старије генерације наставника који су, како каже, "концептуални и постмодерни уметници, готово да нису сликали." Сликање је доживљавао као чин самоизражавања који није био у моди. Такође је желео да његово дело буде доступно гледаоцима без потребе да га академици тумаче. "Нисам желео да ови људи у црним оделима разговарају о мом раду", каже он. "Нисам желео посредника." Одлучио је да се „врати семенкама модернизма“, каже, „Цоурбету и Герицаулт-у и Манету, сликању историје Француске крајем 19. века. Успео сам да поново истражим жанр и на њега дођем на другачији начин. Тако да сам постао овакав модернистички купац трговине! "
Изложба Фурнасових дела заказана је за пролеће у галерији Стуарт Схаве / Модерн Арт у Лондону.
Катхерине Лее
У старој касарни направљеној у атељеима уметника на факултету Санта Фе, Катхерине Лее, 22, пита се како ће њена жичана генерација гледати на уметност. "Прочитали смо толико инстант визуелних порука ових дана, " каже она, "попут реклама - прочитајте их и набавите - и желим да слика буде занимљива дуже од комерцијалне паузе. Мислим да постоји страх од наратива и то произилази из идеје да се „набави“. Људи су толико навикли да рекламирају да желе да оно што виде на слици некога другог премисли. Али оглашавање ради тако добар посао да можда мораш да нађеш нову стратегију. "
Тајанствени, готово црни пејзаж са мрљом далеке светлости прикован је за Лееов зид студија. Има расположену атмосферу и дубину пејзажа из 19. века, али Ли је то сликао на неколико фотографија помоћу мешавине графита, уља и лименки спреј-боје. Тамно лишће сугерира џунглу или шуму, а нешто је што личи на црвени кишобран усред свега. Али нема људи. Тешко је знати било шта о сцени, што је управо оно што жели. „Тај кишобран у шуми сугерира да се нешто догађа“, каже она. "Свиђа ми се идеја да све дјелује као потенцијални садржај. Заправо не размишљам о томе шта значи кад то направим, јер знам да ће то добити свој смисао."
Када слика људске фигуре, попут уља и графита слике романтичног пара које она назива Без љубави, Ли жели да боја заинтересира гледаоца колико и слика. "То није баш фигуративно сликање", каже она, "јер заправо није у вези с тим људима. Када сам започела са сликањем, заиста је била само о фигури, али прилично брзо која се чинила превисоком. Била сам стварно фрустрирана и некако уништена већи део слике, а онда је било пуно боље. Узео сам четкицу и само насилно замаглио све. Абстрактујући све до те мере, слика постаје отворена, добија много потенцијалног садржаја за разлику од експлицитног објашњавања саме себе. "
Слике Катхерине Лее моћи ће се погледати у тезинској представи у галерији ликовних уметности Универзитета Санта Фе у мају.
Елизабетх Неел
Елизабетх Неел (32), недавно матуранткиња Факултета уметности на Универзитету Цолумбиа, сликарка је чији рад додаје ново одушевљење савременим сликарством које спаја апстракцију и репрезентацију. У њеном атељеу у Бруклину платна су прекривена великим апстрактним потезима подсећајући на де Коонинга, али ипак садрже врсте фигура као што је Матиссе могао да замисли. Неел каже да је њен властити сензибилитет обликован поплавом слика око ње, од реклама и телевизије до филмова, видео записа и интернета. "Ми смо потрошачи слика готово од дана када смо рођени", каже она и мисли да се сада уметност мора бавити тим окружењем.
Унука фигуративне сликарице 20. века Алице Неел, Елизабетх често сурфа интернетом по сликама пре него што је започела са сликањем. Она не пројектује фотографије на платно, већ прави скице слика које жели да користи. Понекад, каже, чисто формални аспекти прављења слике - на пример размера њених четкица - могу променити њено интересовање за слику и послати је назад на Интернет ради нових слика и идеја. "Мислим да слика може имати дивну дуалност; може бити о себи, а може бити и о свету, " каже, "и то је добар одломак слике када се то догоди."
Британски колекционар Цхарлес Саатцхи купио је неколико Неелових слика и неке од њих је укључио у своју серију изложби „Тријумф сликарства“ у својој лондонској галерији. Неел ће имати самостални наступ на Деитцх Пројецтс у Нев Иорку на пролеће 2008. Њени радови се могу видети на веб локацији Деитцх Пројецтс.
Писац и сликар Паул Трацхтман живи у Новом Мексику. Његов чланак о дадаистима објављен је у Смитхсониану из маја 2006. године .
